La fotografía como medio de expresión

La entrada de mi blog hoy, va dedicada a la fotografía como medio de expresión y más en concreto a la fotografía como forma de denuncia social.

Os voy a hablar de cinco fotógrafos destacados en este campo:

Cristina García Rodero

Es una de las fotógrafas españolas más conocidas, creadora de un estilo fotográfico personal y emotivo. En los 70 realizó un hermoso proyecto en el que se dedicó a documentar gráficamente el folclore y los festivales tradicionales de una España en plena transición y que dio como fruto su colección España Oculta, un auténtico retrato social y antropológico de la España de 1974 a 1989. La obra de Cristina García Rodero manifiesta un hondo interés por el comportamiento humano y las contradicciones de la existencia humana por eso,  se dedicó a recorrer parte del mundo acompañada de su cámara tratando de captar nuevas creencias, conflictos sociales y las diferentes manifestaciones de los cambios económicos y políticos.

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En el lenguaje visual empleado en la fotografía encontramos tres elementos básicos: el punto, la linea y el plano.

Los personajes principales en estas  fotografías y por tanto el centro y punto de interés son en la primera imagen la figura del sacerdote y la mujer y en la segunda el niño. Las imágenes como la mayoría de las tomadas por esta fotógrafa, están realizadas en blanco y negro. Esto permite transmitir mayor emoción a las fotografías y la ausencia de colores permite centrar toda la atención en las figuras centrales. Otro elemento visual usado en ambas fotografías es la línea vertical que podemos apreciar en laterales muy marcados en paredes, torres de los edificios y en las figuras de las personas, sobre todo el niño en el centro. También hace uso del plano cuadrado como se aprecia en el confesionario del sacerdote o en los marcos de diferentes puertas.
    Son retratos muy expresivos en los que utiliza la cámara como un vehículo de aproximación al mundo.
    Estas imágenes son capaces de narrarnos historias y son auténticos documentos que nos hablan en un primer caso de la religiosidad y en el segundo de la vida rural "el niño de los cencerros".

Dorothea Lange

Fotógrafa estadounidense, fue una de las iniciadoras del documentalismo social. En la crisis de 1929, su compromiso cívico y social la impulsó a salir a las calles de San Francisco para reflejar mediante sus fotografías la insostenible situación de los más desfavorecidos. Dorothea, huyó de los estereotipos de una época oscura que pretendía preservar el sueño americano por encima de cualquier cosa ocultando todo aquello que no interesaba.

    Sus impactantes imágenes sobre las víctimas de la Gran Depresión llamaron la atención del grupo de los fotosecesionistas y de la opinión pública en general, lo que le valió ser llamada por el Gobierno como voz gráfica de la conciencia americana. 

Fotógrafa del inmigrante, del pobre y del desplazado, Dorothea Lange, también documentó los estragos que la gran recesión de los años treinta había causado en la América rural.

Como podemos apreciar en esta fotografía los retratos de Dorothea Lange están cargados de fuerza y de carácter social de denuncia. La imagen central de la mujer con el bebé en sus brazos y el niños nos cuenta una auténtica historia. La tristeza de las miradas perdidas y de preocupación, la pobreza, la situación de necesidad que se aprecia, la calma del bebé que duerme ajeno a todo aquello que ocurre a su alrededor. Resalta esa tienda de tela , en mitad de lo que parece ninguna parte. El hecho de que el fondo esté desenfocado, nos muestra que la fotógrafa quiere impedir cualquier distracción, quiere que nos centremos en la desesperación de una mujer que busca junto con su familia su lugar en el mundo( éxodo rural). Un mundo que parece haberla abandonado por el momento.

Sebastiao Salgado

Fotógrafo brasileño. Durante cuatro décadas ha retratado las mayores atrocidades del ser humano y los más espléndidos parajes del planeta. Comprometido fuertemente en la lucha contra la destrucción del Amazonas, su obra es una ventana abierta a la vida de las tribus olvidadas por muchos.  Es uno de los fotógrafos más comprometidos con los temas sociales, siendo uno de los primeros en documentar el tercer mundo y en poner nombre y caras a ciertos lugares y personas que parecían no existir para la sociedad. 

Debido a la temática principal de su trabajo, ha recibido tanto críticas como elogios. Por un lado, de Salgado se dice que aprovecha la miseria humana con fines comerciales y por otro, ha sido merecedor de decenas de reconocimientos y premios alrededor del mundo.

Sus fotografías sociodocumentales, están realizadas en un blanco y negro purísimo y el propio fotógrafo explica que su obra está realizada en blanco y negro porque no quería que el exceso de color le distrajese de lo verdaderamente importante.

Esta fotografía da muestra de lo asombroso de la naturaleza y de distintas formas de vida de culturas y tradiciones ancestrales.

Podemos apreciar a los hombres de una tribu indígena de la amazonia observando el paisaje que suponemos ,por el fondo, montañoso. Todos colocados en forma lineal diagonal, dan profundidad a la imagen. Con esta fotografía, nos hace un retrato de  la forma de vida de los habitantes que puebla esta zona del planeta.

Kevin Carter

Kevin Carter nació en Sudáfrica en 1960 y formó parte del Bang Bang-Club junto a João Silva, Greg Marinovich y Ken Oosterbroek, un cuarteto de fotoreporteros de conflictos que se jugaban la vida cada día tras una cámara.

En el año 1993 viajó al sur de Sudán con el propósito de fotografiar y denunciar la hambruna y la guerra que sufría el país.  Allí tomó la fotografía por la que se hizo famoso y por la que ganó el premio Pulitzer. Carter cogió su cámara y buscó lo que todo buen fotógrafo debe buscar: la mejor foto posible, la que más impacto pueda generar, la que mayor conciencia pudiera generar en una sociedad occidental inerte al sufrimiento más allá de sus fronteras.

En la fotografía aparece un niño/a sudanés moribundo, acechado por un buitre. La foto nos muestra la contradicción de requerir necesariamente una falta de compasión para  poder observar y disparar la cámara al realizar la foto , y  el conseguir a la vez que desperte en el espectador la mayor compasión posible al ver el resultado de la imagen.
Esta fotografía tomada en color utiliza el lenguaje visual del punto para crear la imagen. Se centra en dos puntos que aparecen en diagonal. el niño/a, pequeño que aparece en posición agachada  es la imagen de primer plano, la más cercana a la cámara y el buitre que lo observa desde atrás, es el segundo foco de atención de la imagen.  El fondo desdibujado y el color muy plano de la imagen en tonos marrones-tierra, todavía centra más la atención en esos dos puntos principales.
Es claramente una foto denuncia de la situación de muchos niños en el tercer mundo, a los que la muerte les asecha cada día a causa de la falta de recursos y alimentos. Estas imágenes tan dolorosas junto con las de guerra y muerte que vivía Carter cada día como reportero de guerra, lo llevaron a una situación límite y a decidir finalmente acabar con su vida.

Steve MacCurry

Su carrera como fotógrafo comenzó con su cobertura de la guerra soviética. En Afganistán, McCurry se disfrazó con las vestimentas del país para pasar inadvertido al trabajar, y sacó los carretes del país cosiéndolos entre la ropa.

McCurry continuó cubriendo conflictos internacionales, incluyendo la guerra entre Irán e Irak, Beirut, Camboya, Filipinas, la guerra del Golfo y Afghanistán. Sobrevivió a un accidente de avión en Yugoslavia.

McCurry en sus fotografías se concentra en el dolor que causa la Guerra en las personas. Trata de mostrar lo que hace la Guerra pero no solo en el campo de batalla, sino también a las personas que viven en él. 

El fotoperiodista americano, lleva décadas atrapándonos con sus retratos. Busca el alma de las personas reflejada en sus rostros. Las miradas que transmiten emociones y los colores llenos de fuerza son la nota predominante en sus imágenes. 

He seleccionado esta foto del MacCurry porque creo que es uno de sus retratos más conocidos, ya que fue portada del National Geographic en 1985, y que fue tomada durante la guerra de Afganistán cuando la niña se encontraba en un campo de refugiados.

Como podemos observar es la imagen de una niña en un primer plano. Dos colores predominan, el rojo dela túnica y velo que viste  la niña y el verde del fondo y de los ojos de la niña. Su mirada parece que pudiera leer tu alma, es profunda y llena de timidez a la vez que parece estar asustada.  Aunque simplemente es un retrato, de primer plano, sin nada más que pueda distraer al que mira la imagen, este retrato se ha convertido en un todo símbolo de la crítica situación de los refugiados y víctimas de los conflictos armados. 

Como conclusión, podríamos decir que está muy bien que utilicemos la fotografía para divertirnos, hacernos fotos con amigos, familiares, posar para redes sociales, utilizar filtros. Está muy bien aprender acerca de como usar los recursos de nuestra cámara para mejorar la imagen, hacer un mejor uso de la luz, enfoque... pero a veces nos olvidamos que las fotografías cuentan historias, transmiten ideas, valores, pensamientos... La fotografía es una poderosa arma para transmitir mensajes, ahí es donde realizaría su función la fotografía de denuncia social.

Muchos fotógrafos han querido hacer uso de este poder y poner su cámara al servicio de la sociedad.

Fotografía ByN vs Color

 

El retrato realista

Estas fotografías han sido realizadas siguiendo el modelo de la corriente realista del siglo XIX. Aunque la imagen original como podemos apreciar arriba ha sido realizada de forma vertical y a color, posteriormente la he retocado para que se vea en blanco y negro, ya que mi intención era conseguir un retrato al estilo de los que realizaba Nadar. Al igual que para este fotógrafo lo más importante de la imagen es la persona retratada , en este caso un niño, por eso, no encontramos elemento decorativo alguno, ni color que pueda tener un efecto de distracción. El fondo elegido para la fotografía ha sido una pared blanca, ya que lo que me importa es destacar el rostro y la expresión del mismo. Aunque el cuerpo del niño fotografiado está de frente, su cara está ligeramente girada hacia un lado y sus ojos están atentos mirando a algo que parece que le ha llamado la atención. Su gesto se ve tierno y ligeramente triste. La imagen original, fue tomada con la luz artificial que venia desde una lámpara del techo y para evitar una ligera sombra que aparecía sobre la pared rodeando al retratado,  tuve que añadir una luz de foco justo encima de mi cámara, enfocando hacia abajo y de esta forma logré eliminar ese borde sombreado.

Ambas fotografías tienen un aspecto bastante serio pero de entre las dos, la realizada en blanco y negro todavía parece más formal, tal vez porque su aspecto se ve más antiguo. La fotografía a color es un poco más llamativa, sobre todo gracias al tono rojizo de la sudadera que viste el retratado.

Para terminar, comentar que no por ser un retrato ha sido una fotografía más fácil de tomar que otras que he realizado, ya que conseguir que una imagen sin color y sin ningún tipo de adornos transmita, no es tan sencillo como parece.

Fotografía siguiendo el modelo de Ouka Leele

 

 

Para esta ocasión, he realizado una fotografía que posteriormente he retocado usando la imagen de la mujer con los limones en la cabeza realizada por Ouka Leele.

En este caso he cambiado los limones por diferentes elementos frutales que también he colocado sobre la cabeza del niño a modo de sombrero.

La fotografía es un primer plano y el niño mientras le tomaba la fotografía se encontraba tumbado en el suelo. Para el fondo coloqué unos papeles blancos bajo la cabeza del niño y una tela en el lateral, haciendo forma de "L". La fotografía original fue realizada en vertical y con luz artificial procedente de arriba.

Quería crear una imagen divertida y por eso, he hecho uso del programa GIMP para introducir algunos colores que diesen a la imagen un aspecto más moderno y desenfadado.

De entre todos los colores del círculo cromático, me he dado cuenta de que me he inclinado a elegir tonos de la triada de color para la cara del niño: La piel del rostro en amarillo anaranjado, los ojos verdes y un tono morado para los labios y también para el fondo de la imagen. Para que tuviese un poco de uniformidad con los tonos de la cara, para el pelo escogí un tono azulado oscuro, análogo al color de los labios y contratando con el celeste de la pajita y con el azul brillante de la sudadera. Por último, para las naranjas, seleccioné un tono rojo, ya que quería que fuese un elemento que destacase en la foto. He tratado de difuminar bien los colores en los bordes para que pareciese mas real.

Al final, creo que he logrado mi objetivo de conseguir una imagen divertida también con esa explosión de color he logrado darle ese aspecto de cartel de anuncio que tiene la fotografía de Ouka Leele aunque el suyo, tiene un aire más retro.

Como conclusión, diré que ha sido una fotografía bastante complicada de hacer. Lograr que las naranjas se sostuviesen ha sido todo un reto. Tuve que hacer uso del cesto de frutas para conseguirlo. El resultado al final me ha gustado bastante porque pienso que las otras frutas han aportado más colorido a la imagen. Como anécdota diré que en algunos momentos mi casa ha llegado a parecer un estudio fotográfico en el que estaban montando unos decorados para publicidad.

Mujeres en mi familia

En este trabajo, he querido representar a las mujeres de mi familia, utilizando la técnica de superposición de imágenes empleada por Annie Wang, mujer que tomó fotografías del crecimiento de su hijo a lo largo de 17 años.

En esta fotografía aparezco yo como imagen central, sosteniendo en mis manos una fotografía de mi madre que a su vez lleva en sus manos una fotografía de su hermana mayor ( mi tía ) y que también  sostiene  a su vez, la imagen de su madre ( mi abuela). 

Todas las imágenes se tomaron en horizontal y con las mujeres en el centro mirando a la cámara. Estas imágenes fueron posteriormente editadas con photoshop de forma que se superponen unas a otras creando diferentes niveles o dimensiones en la fotografía en lo que nos lleva a una visualización rápida y de un solo vistazo de la evolución de las mujeres de mi familia partiendo de mi abuela hasta llegar a mi.  

La fotografía está sacada en blanco y negro, lo cual aporta simplicidad a la imagen y es mucho más expresiva que si la hubiésemos sacado en color, ya que la ausencia de este, permiten evitar las distracciones que nos suponen los colores y nos  ayuda a centrarnos en lo que verdaderamente queremos mostrar, en este caso la imagen de las mujeres de mi familia. El que esté en blanco y negro también apela a nuestra parte más emotiva, dejando entrever la existencia de un vínculo que nos une y los fuertes contrastes en las tonalidades de las imágenes les aportan más fuerza y un aire más misterioso y envolvente.

En la era digital es posible determinar la edad de una fotografía por los colores, sin embargo en este caso, el blanco y negro le aporta atemporalidad, ya que el tiempo de la imagen será más difícil de determinar al no estar en color y será necesario prestar más atención a otros detalles como: el fondo, la decoración, peinados o las vestimentas. 

Como reflexión final, diría que podemos transmitir muchos mensajes a través de una sola fotografía: felicidad ( a través de las sonrisas) ternura, dulzura (  cada una de nosotras sostenemos la imagen de otra y se adivina la existencia de un fuerte vínculo) y también será en un futuro un recordatorio del paso del tiempo, lo cual, despertará el sentimiento de la nostalgia. Una sola imagen, puede contar una historia y en este caso, esta fotografía, cuenta en cierta forma parte de la historia de la mia.

Secuencia de fotos

Hoy he subido al blog una historia formada por secuencias de fotos inspirándome en el gran fotógrafo Duane Michals. Duane Michals realizó una serie de trabajos con secuencias formada de 5 a 15 fotografias en cada una de ellos,sus secuencias nos llevan a un mundo irreal. Una caracteristica esencial de su obra es la redefinicion del medio fotografico como un medio artístico y no como un simple registro de la realidad, su obra se situaria dentro del arte conceptual. Yo sin embargo me he inspirado en una de sus obras que para mi de forma muy realista expresa la idea del paso del tiempo a través de las flores que poco a poco de marchitan. Yo no he querido representar nada irreal ni que requiera de ninguna interpretacion profunda o filosófica. Simplemente y al igual que Duane, el paso del tiempo. Todo lo que hacemos requiere tiempo y el tiempo pasa.

Mientras que el hombre fotografiado por Duane aparece de perfil en las fotografías, quizas para que se aprecie más que observa reflexivo, yo he preferido que mi personaje principal aparezca de frente para que nos inspire más ternura y nos sintamos más cercanos a él, mientras lo observamos. Mi secuencia está formada por 8 fotografías de pequeñas dimensiones que se presentan en serie de izquierda a derecha en formato similar al de las viñetas. He querido contar una historia real de la vida cotidiana: un niño tomando un yogur para merendar. He tratado de captar los movimientos de forma que parezca que estamos frente a él mientras disfruta de su yogur. Las imágenes muestran un primer plano del niño mientras come y está tomada desde un ángulo frontal. El niño no ha posado en las imágenes sino que han sido captadas de manera instantánea. Se ha utilizado la luz natural del lugar donde han sido tomadas las fotografías aunque hemos necesitado hacer uso del flash de la cámara para que las imágenes no fuesen mas oscuras. He tomado la fotografia con una amplitud de campo reducida ya que lo que me interesaba captar eran las expresiones del niño con su yogur y no el fondo.

La primera fotografía nos muestra cómo el niño espera sentado su merienda y cómo alguien que no nos interesa saber quién es se la pone sobre la mesa. entendemos que es alguien que despierta el afecto del niño, ya que él, le sonríe. Luego se darán una suscesión de imágenes que siguen un orden temporal: el niño abre el yogur, toma una cucharada , se la lleva a la boca y así otra vez, sintiendo mientras lo vemos cómo disfruta y hasta rebaña su yogur. Finalmente se lo acaba y se marcha dejando su asiento vacío. En la última fotografía lo que nos interesa es la silla vacia y el fondo en general para expresar que nuestra historia en imágenes ha terminado. Es una secuencia sencilla de una tarde cualquiera pero que bien podría representar "el placer de disfrutar" de algo sabroso o la necesidad de que los niños tomen una merienda "saludable" o cualquier otra interpretación que la persona que observa quiera darle, ya que las imágenes al no ir compañadas de texto, dejan libre la interpretación al que observa. Las fotografías, realizadas originalmente en color han sido retocadas y modificadas a un tono sepia que me parecía que le daba más calidez a la imagen que el blanco y negro. Para finalizar y a modo de conclusión diria que en este tema he aprendido como podemos expresar sentimientos, emociones, ideas... contados con historias a través de imágenes. También he aprendido como el uso de los planos adecuados y los ángulos correctos pueden ayudarnos a centrar la atención de la persona que ve nuestras imágenes en aquello que nosotros queremos resaltar.

Cianotipia

En clase hemos estado realizando la cianotipia.

¿ Qué es la cianotipia?

La cianotipia es un antiguo y sencillo procedimiento de copiado fotográfico monocromático. Recibe este nombre debido al tono azulado (cian) que adquiere la copia.

¿ Qué materiales he empleado?

Fotocopia de acetato, papel de acuarela, brocha suave, recipiente para mezclar, marco de foto con cristal , pinzas y químico de cianotipo.

¿Cómo he realizado la cianotipia?

El primer paso fue elegir 5 imágenes. Después tuvimos que convertir nuestras imágenes en negativo con el programa GIMP. Una vez que obtuvimos el negativo se pasó a papel de acetato. Posteriormente cortamos el papel de acuarela a la medida de la foto. El siguiente paso fue pintar el papel de acuarela con químicos de cianotipo pero de un tamaño más pequeño que la imagen.  Teníamos que esperar a que se secara el químico y una vez seco, se le ponía la imagen de papel de acetato encima. Más tarde se le colocó encima un cristal al que se le sujetaba la  imagen con pinzas.  Una vez sujeta,  se dejaba al sol entre 1 y 3 minutos. Cuando el color del químico paso a ser de color platino era la señal de que podíamos pasar al siguiente paso que consistía en sacar la imagen del cristal y meterla en agua. Ahí es cuando observamos que la imagen se había vuelto más nítida y clara. Por último, se dejó secar y listo.

El proceso de las imágenes

Mis imágenes 

MI REFLEXIÓN

Yo nunca había pensado que una foto tradicional tuviese detrás tanto trabajo y tiempo. Es un proceso lento que si lo comparamos con la fotografía digital, vemos que esta segunda tiene la ventaja de ser prácticamente inmediata. Las fotografías digitales se trabajan a través de programas informáticos donde pueden ser manipuladas y mejoradas, sin embargo las tradicionales captan momentos reales que no se pueden manipular, es un instante que se captura y que te sorprende, porque no puedes ver la imagen hasta que esta es revelada químicamente. También se puede apreciar que la fotografía digital está en color y la imagen fijada tradicionalmente aparece en tonos blancos y azulados. La fotografía tradicional te traslada al pasado porque tienen un efecto mucho más antiguo ( a pesar de que las imágenes que yo he fijado son actuales). Las tradicionales también son menos nítidas que las digitales, las cuales ganan en calidad de imagen. Para fijar la fotografía tradicional hemos usado papel de acuarela y para la fotografía digital utilizan papel especial de fotografía.

En conclusión, la fotografía tradicional comparada con la digital tiene mas trabajo pero son muy divertidas de hacer.

Ha sido una experiencia muy agradable y muy educativa.

 

 

 

Los nuevos medios de comunicación

Las nuevas tecnologías 

Los medios de comunicación han evolucionado a medida que el hombre ha necesitado más medios para trabajar, relacionarse, comunicarse... Desde los primeros teléfonos a los primeros ordenadores, pasando por la televisión y otros medios tecnológicos, el uso de la tecnología ha avanzado a pasos agigantados. Ha permitido acceder a la información más rápido, de forma más productiva y eficiente. Estar conectados se han convertido en algo fundamental en esta sociedad global por lo que a medida que pase el tiempo las nuevas tecnologías irán evolucionando más rápido. 

Las funciones de las fotografías

En la siguiente entrada de mi blog voy a hablaros de algunas de las diferentes funciones que puede tener una imagen y para ello he realizado distintas fotografías que os enseño a continuación:

 

IMAGEN 1: Función religiosa

 LA VIRGEN DE LA CARIDAD

 CON JESÚS EN SU REGAZO 

 

Se trata de una imagen en la que vemos parte de una fachada, en la que se aprecian unos azulejos en los que aparecen pintados la Virgen de la Caridad y Jesús en su regazo. Esta imagen está decorada con un marco, también pintado en el mismo azulejo y con unas pequeñas cornisas decorativas en color salmón en la parte baja y superior.  

La imagen está en formato rectangular y en vertical. Vemos como lo más destacado de esta fotografía es la imagen de la Virgen con su hijo fallecido. El fondo es en tonos mostaza y aunque el cuerpo de la Virgen aparece de frente, su rostro está de lado y un poco levantado como si estuviese rezando. Lleva un pañuelo blanco de encaje en la mano para limpiarse las lágrimas y viste una túnica en color negro con pequeños adornos en blanco representando el luto y el dolor por su hijo muerto. También lleva un pañuelo y un velo blanco de encaje que le cubre la cabeza y una corona circular que representa su grandeza y santidad. En los brazos de la virgen vemos el torso y el rostro de Jesús de lado y cubierto con heridas sangrantes.

En la parte inferior del marco apreciamos unas letras que dicen: “Virgen de la Caridad”.

La fotografía ha sido tomada de frente y desde abajo con luz natural y con un ángulo picado, es decir, cuando el sol se encontraba arriba aunque ligeramente a la izquierda. Apreciamos que es la pared de una fachada,  esto realmente no nos interesa y el enfoque está puesto en la imagen de los azulejos pintados. 

Tiene una función religiosa ya que están en la fachada de una iglesia católica y por lo tanto es una imagen de adoración para los fieles.

Es una fotografía donde aparece una imagen figurativa ya que trata de representar una escena de apariencia real, aunque distorsionada ya que es como el artista los imagina.

Desde mi punto de vista esta imagen ha sido hecha además con fines decorativos y con ella también se ha querido informar sobre a quién se le rinde culto dentro del edificio en el que se encuentra esa fachada.

IMAGEN 2: Función descriptiva

CÓMO HACER QUE FLOREZCA UN JACINTO

 

Se trata de una imagen dividida en tres partes sobre un fondo marrón claro. La primera parte representa lo que se necesita para plantar el Jacinto. En la parte central aparece una imagen que pretende ser un calendario con unos números del 1 al 12 dentro de unos cuadrados que representan los meses del año 2021 y debajo unas imágenes del Jacinto en un jarrón y cubierto. En la tercera y última parte aparece otra vez el calendario pero esta vez del año 2022 y las imágenes del Jacinto en floración. 

Esta fotografía ha sido tomada de una caja que contenía un pequeño jarrón de cristal y un bulbo de Jacinto. Como podemos apreciar es una imagen en formato rectangular, tomada de frente con luz artificial picada. Es una imagen muy sencilla y muy gráfica de lo que habría que hacer con el contenido de la caja. Aunque el fondo es marrón los recuadros aparecen en blanco y por separado ya que se quiere resaltar que son tres etapas distintas. Las tres partes tienen un encabezado en naranja sobretodo para que destaque, la diferencia del año al que pertenecen los meses, a los que hace referencia  las imágenes. También destaca en negro los cuadros de los meses a lo que va haciendo alusión.

Tiene una función descriptiva, ya que ofrece información detallada y objetiva sobre aquello que representa. Los dibujos tienen iconicidad baja y es una información muy visual ya que no aparecen letras. El tema que se quiere comunicar es fácilmente reconocible aunque los dibujos no sean muy realistas son más bien simbólicos.

IMAGEN 3: Función lúdica

CHICA SALTANDO MIENTRAS BAILA

 

En la imagen podemos ver a una chica bailando con una vestimenta negra en un paisaje urbano formado por un camino de pavimento con una balaustrada blanca y en el que aparecen árboles y se ve el cielo de fondo. El cabello negro de la chica aparece en movimiento al parecer producido por la fuerza del salto que ha realizado ya que podemos ver sus piernas flexionadas hacia atrás.

El formato de la fotografía es cuadrado y ha sido tomada de frente aunque la chica aparece de perfil y aprovechando la luz natural del exterior. La luz proviene del lateral izquierdo provocando la visión en el suelo de la sombra producida por la balaustrada. Se aprecia que lo que se quiere destacar en la fotografía es la imagen de la chica que ocupa el primer plano y cuya imagen está centrada. El paisaje hace de fondo y no es lo que realmente interesa pero por su colorido podemos intuir que es otoño.

Es una imagen figurativa realista y su función es lúdica ya que hace referencia al disfrute de una actividad cultural como es el baile. Esta fotografía bien podría ser usada para publicitar un espectáculo de baile moderno ya que además es muy artística y transmite buenas vibraciones.

IMAGEN 4: Función decorativa

LÁMINA DE JARRÓN CON FLORES

 ENMARCADA EN MADERA.

En esta imagen vemos una lámina con un dibujo de un jarrón con flores azules, blancas y amarillas enmarcada en un marco de madera color cerezo y colgada de una pared blanca.

Esta fotografía es de forma rectangular y está tomada en vertical, de frente, con luz artificial colocada arriba ligeramente a la izquierda, de ahí la sombra que proyecta el marco del cuadro sobre la pared. 

Lo realmente interesante de esta fotografía es el dibujo de la lámina que es una copia de lo que en el cuadro original sería pintura sobre lienzo.

La imagen pintada corresponde a un jarrón transparente  con trazos gruesos realizados con la brocha en tonos  azulados y blancos. Es ancho y de forma ligeramente redondeada por la parte de abajo con una pequeña base más estrecha. En su interior hay colocadas unas flores que por su aspecto parecen haber sido directamente recogidas del campo. Los colores utilizados para las flores son tonalidades pastel que mezclan tonos fríos como el azul, lila, blanco o verde y tonos cálidos como el amarillo y el naranja. Las flores que más destacan son las azules por ser las más grandes, transmitiéndonos una gran sensación de relajación. el fondo blanco está lleno de sombreados en color.

En la parte inferior derecha de la lámina puede leerse el nombre del pintor.

Aunque esta obra sea representativa de un jarrón real, habría que decir que el artista lo ha interpretado a su forma, dándole su visión personal.

Su función es decorativa, ya que ha sido utilizada para embellecer la pared de un pasillo.

Creo que este dibujo fue realizado con gran delicadeza simplemente para expresar la belleza de las flores.

IMAGEN 5: Función emotiva

MUJER CON NIÑA EN BRAZOS

Como podemos ver en esta ocasión se trata de la fotografía de una pequeña escultura realizada en cerámica pintada, que representa la figura de una mujer sentada con las piernas cruzadas y en cuyo regazo reposa una niña pequeña dormida . La mujer también tiene los ojos cerrados. 

La imagen está en formato rectangular, en vertical y con el fondo en blanco. La luz es artificial y proviene de arriba, por tanto, es luz cenital. Esto podemos apreciarlo en las sombras que se proyectan debajo de la escultura en piernas y zapatos.

En la escultura destacan principalmente dos colores que contrastan por ser uno de ellos frío y el otro cálido. El celeste utilizado para pintar la camisa, el vestido, los calcetines y los zapatos de la niña que nos evoca una sensación relajante y el marrón rojizo del pelo y del peto que viste la mujer probablemente utilizado para dar esa sensación de calidez que produce el estar sosteniendo a la pequeña en sus brazos mientras ella duerme plácidamente. También hay que resaltar que la pintura tiene un efecto bastante brillante. 

Es una escultura que representa la realidad de muchas mujeres cuando se convierten en madres. La función principal que yo le doy a esta escultura es emotiva porque observando con detenimiento podemos suponer que se trata de una madre sosteniendo a su niña. Parece por su vestimenta una mujer de una clase social no muy alta,  tal vez trabajadora de una fábrica. Su aspecto aunque es relajado parece que está cansada ya que tiene sus ojos cerrados mientras sujeta a la niña. Es una escultura que transmite mucha dulzura y ternura. También debo decir que además de la emotividad que transmite podría tener la función decorativa.