miércoles, 15 de junio de 2022

Reflexión final

CULTURA AUDIOVISUAL

¿Qué es para ti la cultura audiovisual?

Ahora que para realizar este trabajo he tenido que revisar las respuestas que di a principios de curso, me he dado cuenta de que tenia una visión muy limitada de aquello que engloba la cultura audiovisual. Yo pensaba  que se centraba sobre todo en las técnicas para captar imágenes, buscar un buen ángulo, la luz empleada, interpretación de la imagen según su tema... pero me he dado cuenta que es mucho más. Gracias a la cultura audiovisual aprendemos mucho, pero no sólo la teoría sobre la imagen fija o en movimiento, sobre cómo sacar provecho de la luz, buscar el mejor ángulo, encuadre, etc sino que también estudiamos cómo esas imágenes, ya sean una fotografía, un vídeo o un programa de televisión, han evolucionado a lo largo del tiempo, cómo tomarlas, qué proceso siguen dependiendo del fin para el que las realicemos y lo que considero especialmente importante, el estudio del lenguaje visual, es decir, todo lo referente a interpretación de la imagen, qué nos transmite lo que vemos u oímos o qué pensamos que tratan de expresar. Esto, puede parecer sencillo pero en realidad, no lo es.

¿Consideras importante conocer el lenguaje audiovisual? ¿Por qué? 

Sí, lo considero muy importante para cualquier persona que haga uso o que le guste disfrutar de los medios audiovisuales pero sobre todo me parece importantísimo para nosotros, ya que somos alumnos de artes escénicas y por tanto, el lenguaje audiovisual va a ser en un futuro una herramienta fundamental que vamos a necesitar para poder desempeñar nuestro trabajo. Si somos capaces de sacarle el máximo partido  a los conocimientos que estamos adquiriendo, nuestro trabajo será mucho más profesional y mejor valorado.

¿Qué te gustaría aprender en esta asignatura?

La verdad, es que creo que hemos aprendido un poco de todo, por tanto, ahora que ya hemos terminado el curso no me planteo qué me gustaría aprender sino en qué me gustaría profundizar.  Reconozco que las grabaciones de video quizás sea lo que más me ha interesado: el corto de cine mudo, la grabación del  programa cultural... Me gustaría profundizar en todas las técnicas que podemos utilizar para sacar el máximo partido a las expresiones y al mensaje que queremos transmitir, todas las fases necesarias para crear una película... Me interesan sobre todo los temas relacionados  con el cine y la televisión.

Describe y analiza la imagen.

En la imagen vemos a un grupo de obreros subidos en el brazo de una torre de construcción a mucha distancia del suelo.  La fotografía parece que fue tomada en movimiento y los trabajadores actúan de forma espontánea y llama la atención como a pesar de la altura, charlan tranquilamente mientras parece están disfrutando de su hora de almorzar o de descanso.

Esta fotografía está tomada en blanco y negro con bastante contraste, ya que como podemos apreciar  tanto los obreros como el brazo de la grúa, tienen mayor nitidez y están en una tonalidad más oscura, probablemente porque el fotógrafo desea que nos fijemos especialmente en esta parte de la imagen. Parece una fotografía antigua viendo la ropa que visten los trabajadores y está tomada de plano entero. El fotógrafo no ha querido centrar su atención en ninguna persona en concreto sino en todos los obreros en general. También le interesa resaltar el fondo de la imagen pero sobre todo de la parte inferior porque es donde se ven los edificios y es lo que nos permite tener esa perspectiva de altura. La parte superior  tras los obreros se ve un poco desenfocada como si estuviese cubierta por niebla. Esto, da profundidad a la imagen.

El fotógrafo parece estar colocado un poco por encima de los obreros y no toma la imagen completamente de frente aunque sí en horizontal, puede que esto sea para que se pueda apreciar mejor la amplitud de la grúa.

                                

La función de esta fotografía puede tener un carácter emotivo y pudo haber sido realizada con una finalidad informativa, tratando de mostrar la situación de los trabajadores.

miércoles, 20 de abril de 2022

En esta entrada de mi blog  os voy  a hablar sobre Chema Madoz.



José María Rodríguez Madoz (Madrid, 15 de marzo de 1958) es, sin duda, uno de los fotógrafos españoles con mayor proyección internacional.

Chema Madoz ha conseguido encontrar un estilo propio, una forma de relacionarse con el entorno, con la naturaleza y con los objetos que le rodean, absolutamente únicas.

Ha sido galardonado con numerosos premios, entre ellos: 1991 Premio Kodak, 2000 Premio Nacional de Fotografía, 2000 Premio Higashikawa Overseas Photographer del Higashikawa Photo Festival (Japón), 2000 Premio PhotoEspaña,  2014 Premio de Fotografía Piedad Isla y ha expuesto en los mejores museos, desde el Reina Sofía hasta el Pompidou.


En sus fotografías podemos encontrar una serie de características: 


  • Tiene un lenguaje universal a la vez que único y fácilmente identificable. Si de algo goza la obra de Madoz es de la capacidad de ser comprendida por cualquier persona, esté formada en arte, fotografía o no. Sus obras no son difíciles de entender, incluso dan varias interpretaciones válidas. Su poesía visual nos invita a reflexionar y nos conmueve a todos, aunque sea en distintos niveles.

 

  • Sus blancos, negros y grises le dan mayor intensidad a la imagen. En el caso de las fotos de Chema el color no haría más que distraer la atención y quitarle foco al significado de la obra.

 

  • Siempre fotografía en analógico, nunca usa digital.

 

  • Son imágenes de tipo bodegón y de estética minimalista. Madoz ha conseguido como pocos reducir al mínimo toda necesidad técnica, expresiva y plástica: un marco cuadrado, un objetivo normal de 50mm, blanco y negro, luz natural… todo queda relegado a la idea y nada la eclipsa, de forma que sus imágenes son tan sencillas visualmente que permiten al lector proyectarse y sumergirse de lleno para poder completar toda esa ‘sencillez’ que, paradójicamente, se vuelve tan profunda.

 

  • El objeto es el protagonista de la fotografía. En su primera etapa realizaba fotografías en escenarios exteriores y con personas, dos elementos que poco a poco irá abandonando para centrarse en los objetos y en su estudio.

 

  • Madoz explora un lenguaje que ha hecho suyo: las metáforas visuales con objetos cotidianos para hablar de nuestros sueños, emociones y miedos a partir de lo que esos objetos podrían ser.

 

  • Chema Madoz crea sus propios objetos. Sus fotografías nacen como una idea en la cabeza, ideas que después hace realidad con sus propias manos fabricando o modificando los objetos, que finalmente fotografía para dotarlos de ese realismo .



Relación imagen -realidad

Las imágenes son una representación de la realidad no la realidad en sí misma.

Lo que varía no es la relación que una imagen mantiene con su referente, sino la manera diferente que tiene esa imagen de sustituir, interpretar, traducir o modelar la realidad. La fotografía es una representación de la realidad captada por una cámara en un momento determinado con un punto de vista, por una persona que toma decisiones según su cultura y sus ideas. Con la cámara capturamos un momento, pero si no podemos explicar la realidad que envuelve esa imagen, entonces es simplemente una imagen.

A menudo el par de conceptos ( imagen y realidad) se presentan bajo la forma de una oposición conflictiva, sin embargo, Madoz, se encarga de mostrarnos  la complementariedad que cabe hallar aún entre ambos términos. El juego complementario entre realidad e imagen creada puede constituir un buen punto de partida para aproximarse a la poética de Chema Madoz. De su mano descubrimos que esa presunta oposición férrea entre lo real y la imagen  creada, no sólo no entran necesariamente en contradicción con lo que esa misma persona o cosa es en la actualidad, sino que justamente constituyen parte de su forma de ser y acaso lo más real y valioso de la misma. En este caso, descubrir la virtualidad oculta de algo no nos aleja de su última esencia; muy al contrario, nos pone en camino de descubrir lo que es en verdad.

La primera de las muchas paradojas con que nos asaltan las imágenes de Madoz tiene que ver con esta oposición entre lo abstracto del proceso de construcción y lo absolutamente concreto del resultado: objetos reales, físicos pero extrañamente irreconocibles que se nos enfrentan reclamando que descodifiquemos su anomalía en clave lógica. De la racionalidad de lo surreal  beben las fotografías de Madoz.

Las imágenes que conforman la obra de Madoz  tratan paradójicamente de una abstracción que se da no en el plano formal o compositivo (los objetos son plenamente reconocibles, no hay ninguna deformación o estilización equivalente a la que ha podido sufrir el objeto en una pintura abstracta) sino en el plano de las ideas. En las fotografías de Madoz, los objetos se hallan materialmente separados de su entorno: se nos ofrecen sobre fondos homogéneos, descontextualizados de su ambiente cotidiano e insertos en un mundo lejano, ajeno aunque extrañamente familiar. Como si solo así, sacados de su lugar natural, abstraídos del plexo de relaciones que mantienen con el resto de las cosas, revelaran su esencia más profunda.

Análisis de su obra

Sus fotografías son blanco y negro. Esto genera un tipo de imágenes que son más abstractas, que tienen que ver más con la imaginación, con la memoria, lo cual entronca muy bien con el tipo de imágenes que él produce.


Son imágenes minimalistas, en las que intenta jugar con la menor cantidad de elementos posibles, que además en la mayoría de los casos están reducidos a la mínima expresión.


Los espacios con los que trabaja suelen ser muy pequeños y normalmente depende mucho del objeto fotografiado.


El contraste y la nitidez  suelen ser muy altos y la tonalidad es siempre uniforme.


Suele utilizar luz natural, pero en algunos momentos se ayuda de luz artificial para realzar detalles de algún objeto.


Está cerca de lo abstracto, pues se nos muestran nuevas formas a través de los objetos, lo cual crea nuevas sensaciones y nuevas formas de interpretar la obra.


Suele trabajar con objetos metálicos, plumas, tijeras o fósforos que vistos desde una perspectiva formal te permitan diversificar el discurso.


Sus imágenes funcionan casi como un mecanismo de relojería, en el sentido de que todo está meditado, todo tiene su porqué y su lugar. Pero aunque eso pueda parecer una imagen muy cerrada, lo que trata es justamente lo contrario: abrir más posibilidades a la realidad de los objetos con un lenguaje visual muy meditado.


Mi imagen inspirandome en Chema Madoz




En esta imagen he querido representar un alfiletero típico pero para el que he utilizado un tomate real. Aunque la imagen a simple vista correspondería con lo que sería parte de un set de costura convencional  
( metro, alfiletero, tijeras, alfileres),  podría tener muchas interpretaciones. Entre ellas, por ejemplo, el culto a las medidas del cuerpo, representado por el metro y como nos bombardean los medios de comunicación, la sociedad..., para que perdamos talla y tengamos buena figura. La tijera podría representar todo aquello con lo que cortamos ( dulces, helados...) y los alfileres podrían ser las incomodidades y los sacrificios de hacer una dieta, la cual, estaría representada por el tomate. 

Para terminar, quisiera decir que la obra de Chema Madoz me ha parecido muy interesante  porque  he podido aprender que detrás de una imagen aparentemente sencilla y surrealista puede haber un gran trabajo, cargado de multitud de interpretaciones y mensajes. Este tipo de fotografía es muy entretenida y divertida y lo que más me ha gustado de realizar este trabajo ha sido el momento de crear mi propia imagen ya que para ello he tenido que poner en practica mi creatividad y construir un pequeño escenario para contar mi fotografía. 










miércoles, 6 de abril de 2022

La representación del poder


En esta entrada del blog , voy a hablar de la evolución de la imagen con fines de poder político a lo largo de la historia. 

Veremos como los que poseen el poder han tratado de mostrarse ante los ojos de aquellos a los que gobiernan , de sus homólogos en otros países o ante sus rivales políticos haciendo uso de gestos, símbolos y representaciones que son captadas en imágenes cargadas de intencionalidad. Con la ayuda de las imágenes, tratan de crearse una identidad, un sello personal con el que mostrarse al mundo. 


En nuestro recorrido en el tiempo, empezaremos hablando del Antiguo Egipto.


La figura más importante era el rey (faraón). El rey, en cuanto gobernante de Egipto, trascendía de lo humano y adquiría carácter divino en la medida que gobernaba, porque gobernar y dictar leyes era reproducir mágicamente en el mundo el sistema divino de los dioses. El rey, era el que dirigía la historia del país y lo hacía en virtud del derecho divino, es decir, el orden universal y por ello podía gobernar, dictar y emanar derecho y mantener al país en orden frente a las fuerzas disgregadoras del Caos.


Un ejemplo de esta naturaleza poderosa, casi divina, la encontramos en Ramsés II, Durante su reinado, Egipto conoció su último y más brillante esplendor, gracias a una etapa de prosperidad económica, que favoreció el desarrollo de las letras y permitió la realización de importantes obras arquitectónicas.


Ramsés II es uno de los faraones más célebres y recordados del antiguo Egipto. Hay miles de leyendas sobre sus hazañas, y también es uno de los más populares porque hay muchas reliquias y recuerdos de sus 66 años en el poder. Empleó su inmenso poder político, económico y militar para ensalzar su propia divinidad (estatuas, templos, tumbas, capillas, su nueva capital Pi-Ramsés...) y la importancia, en este mismo sentido, de su familia y dinastía. Ramsés mantuvo  una activa propaganda política y religiosa cuyo objetivo final era destacar la divinidad del rey, su gloria y su posesión del poder absoluto.


Un ejemplo de esas muestras de poder, las podemos ver en las escenas grabadas en las paredes de la sala hipóstila del templo de Ramsés II. Entre ellas, las más importantes son las que representan la Batalla de Qadesh, una batalla librada a finales del año 1274 a. C. Fue un combate de infantería y carros en la que se enfrentaron las fuerzas egipcias del faraón Ramsés II y de los hititas de Muwatalli.


En estas imagenes de abajo podemos ver a Ramsés II matando a sus enemigos. Se trata de una de las muchas escenas en las que el faraón es el protagonista, destacado en tamaño, en movilidad o en fuerza.




Ramses II matando a sus enemigos





Continuaremos con la Antigua Grecia. Bajo estas lineas, podemos ver la imagen del busto de Alejandro Magno realizado en mármol en el 300 a. C.  Alejandro fue el rey macedonio más importante de todos lo tiempos y se convirtió rápidamente en legendario dado el vasto imperio que construyo sobre los territorios conquistados. Esta obra imita a otra realizada por Cares de Lindos y que representaba al Dios de sol. 

Como podemos observar en la imagen Alejandro aparece el busto como si fuese una fotografía de primer plano en la que podríamos apreciar los rasgos físicos de este rey que tiene una apariencia joven y fuerte.

El hecho de que existan muchas esculturas y bustos levantados que traten de representarle es muy significativo y quiere decir que fue uno de los reyes mas importantes y poderosos de la Antigua Grecia.





Alejandro Magno



Si hablamos de Roma, veremos que el afán de ser reconocidos y admirados por el pueblo sigue siendo un deseo de los poderosos.

Podemos encontrar un claro ejemplo en esta fotografía que mostramos abajo.  En ella podemos ver la estatua de Octavio Augusto , esta hecha en mármol y mide unos 2 metros de altura, realizada una vez fallecido el emperador en el 14 d. C. Parece ser una copia de un originar de bronce que se realizo en torno al año 19 o 20 a. C. en Roma. Observamos al emperador romano vestido con traje militar de gala, como jefe militar absoluto y con rica coraza, en actitud heroica y decidida, como hablándole al publico o dirigiéndose a sus tropas.

Esto lo intuimos al tener al mano derecha levantada. La expresión de la estatua es muy natural y el parecido con la realidad se hace evidente al representar al detalle las facciones de Augusto ( carácter introvertido, mirada sombría, majestuoso).

Podemos ver al político sereno y seguro , prudente , frío... Es una realidad idealizada también apreciamos que el emperador va descalzo para darle una dimensión temporal de eternidad. Estas mismas características de un emperador poderoso podríamos haberlas apreciado si esto lo hubiésemos trasladado a una fotografía pues como ya hemos comentado la escultura es muy realista y realizada con mucho detalle y su intención última sería mostrara todos el poder y la fuerza y la grandeza del emperador.




Octavio Augusto



Continuando con nuestro recorrido nos adentraremos en la Edad Media.


La Monarquía Absoluta era la forma de gobierno popular en la Europa medieval y hasta finales del siglo XVIII. En ella, la sociedad era gobernada por un rey o una reina todopoderosos. El monarca tenía un control total sobre todos los aspectos de la sociedad, incluyendo: el poder político, la economía y todas las formas de autoridad.    El monarca era capaz de mantener el control absoluto sobre la sociedad con la adición del feudalismo, que implicaba la colocación de personas en diferentes estamentos de poder, como: el clero, la nobleza y los campesinos. 


En la siguiente imagen podemos ver la coronación de Carlomagno. Durante la Edad Media, el acto de coronación era un acto litúrgico que solemnizaba el acceso al trono del nuevo rey, e implicaba la aceptación de la corona y otros símbolos propios de la realeza. Esta pintura fue realizada para inmortalizar el momento en el que Carlomagno tomaba el poder. 



Coronación Carlomagno



Otro ejemplo, lo encontramos bajo estas líneas. Se trata del retrato de Francisco I , rey de Francia. Esta obra  la podríamos encuadrar en una figuración realista y atendiendo a la composición se puede apreciar un equilibrio en los volúmenes y una iluminación levemente lateral. Jean Clouet 1480-1541, de origen flamenco, es el autor de este retrato (1519). Si ponemos nuestra atención en  los gestos, aunque la postura sea regia, su rostro no es severo, más bien se vislumbra cierta amabilidad, al igual que en la postura de sus manos, que reposan sobre un posible bastón la izquierda y la derecha descansa sutilmente sobre un pretil. Se trata de un recurso ilusionista característico del retrato de la época. Llama la atención la magnificencia en el ornato y en definitiva  la señorial imagen en su conjunto del rey que se ve acentuada por la calidad de los ropajes.  La figura del rey está muy detallada y utiliza el claro oscuro. El fondo del retrato es geométrico neutro, no utiliza edificaciones ni objetos que distraigan la atención de lo que pretende, utilizando mezcla de magenta, rojos cadmio “palaciego”, juega con dibujos geométricos cortesanos con lo que consigue integrar la figura y el fondo en su totalidad de esa ya mencionada magnificencia.



Francisco I de Francia



Para terminar con nuestro análisis sobre la evolución de las imágenes del poder, vamos a ver algunos retratos pintados y fotografías  que abarcan desde el siglo XVIII hasta la actualidad.  



Os presentaré primero, un retrato de Napoleón Bonaparte. Puro arte propagandístico, que siempre mejora un poco la realidad. Era cierto que Napoleón Bonaparte cruzó las montañas pero montado sobre una mula y le pidió a Jacques-Louis David que lo representara tranquilo, montado sobre un vigoroso caballo. Napoleón no quiso posar para este retrato  y el pintor tuvo que ingeniárselas con un busto y un uniforme de Napoleón.

Poco a poco fue construyendo la escena como si fuera un personaje legendario, un nuevo Aníbal o Carlomagno, nombres que de hecho aparecen inscritos en las rocas. 

Todo tiene un aspecto dinámico (incluso el clima) y Napoleón nos mira levantando su mano para que le sigamos en sus conquistas. Su cara es serena y seria, demostrando que podía ser un gran gobernante.

El caballo por el contrario no es tan sereno y sus ojos aparecen enrojecidos .  Si trajésemos esta imagen, del siglo XVIII al siglo XXI, probablemente hubiese sido una fotografía mandada editar por Napoleón.


Napoleón Bonaparte



Las dos imágenes siguientes se corresponden, la primera  con un retrato oficial del rey Alfonso XII, donde lo vemos con aspecto solemne, en primer plano posando pero sin mirar directamente a la cámara. Su rostro es serio pero tampoco se muestra excesivamente lejano. Va vestido con uniforme  con galones mostrando sus méritos militares y su poder . Se trata de un retrato bastante clásico , típico de un rey europeo.

La segunda es una fotografía  del siglo XX del político italiano Francesco Cossiga. Francesco, llegó a ser el octavo presidente de la república italiana (1985 a 1992.) Esta imagen suya parece tomada en un momento en el que participaba en algún tipo de charla o intervención en temas políticos. Es una fotografía muy natural, no posada. El fondo aparece borroso, pues quiere destacar la figura del político y desviar la atención de la persona que aparece detrás con los auriculares.




                                          Alfonso XII                         Francesco Cossiga




Por último, y para terminar, llegamos a las imágenes del poder político más reciente. Gracias a la fotografía, podemos observar diferentes actitudes de nuestros políticos mientras son grabados por las cámaras. Imágenes muy naturales, muy cercanas. En el primer ejemplo, vemos al presidente del gobierno actual, dirigiéndose al público y en la otras dos imágenes vemos al señor casado y al presidente de la Junta de Andalucía en una actitud muy distendida. Las tres imágenes aunque poseen buena calidad están siendo tomadas en movimiento . He seleccionado estas tres fotografías pero podría haber elegido otras, por ejemplo un cartel propagandístico para las elecciones, donde apareciese el político, bajo las siglas de su partido, vestido formal pero con una gran sonrisa y con un gran eslogan. Hoy día gracias a la digitalización, cualquier fotografía es susceptible de ser manipulada. Lo importante, en esta política actual, tan propagandística, es que esas fotografías lleguen al mayor número de personas posibles. Aunque a veces todo parezca muy natural, en multitud de ocasiones, las imágenes están calculadas al milímetro: seleccionar la luz más favorecedora, la corbata o vestido con el tono similar al del partido, la mirada más confiable y sincera posible…, también es cada vez más frecuente, ver esos posados familiares donde todos aparecen  dando la imagen de la felicidad más absoluta, y todo , como ya hemos ido diciendo, con ese fin último de mover a las masas hacia donde ellos quieren. Hoy en día la fotografía, las imágenes en general están al servicio del poder político y otro claro ejemplo de esto lo tenemos en las fotografías de la guerra que cada gobierno utiliza a su antojo para manipular a la población y justificar sus actos inhumanos e injustificables. Así,  muestran aquello que quieren que veamos y modifican aquello que no, para posicionar a las personas y enfrentarlas según sus intereses políticos.

 



Reflexión  


Después de haber realizado este recorrido a lo largo del tiempo, vemos cómo las personas poderosas se las han ido ingeniando con los medios que han ido encontrando a su disposición para hacer una propaganda de su poder , de su fuerza y en algunos casos incluso alarde de su superioridad. Querían asegurarse de no ser olvidados. Con estas imágenes han querido ser una ventana abierta, que dejase constancia de personas y acontecimientos del pasado. Han querido ser recordados por sus rostros, sus miradas, sus gestos, ropajes, sus hazañas… Las imágenes clásicas pueden parecer muy diferentes a las actuales pero en realidad son muy similares pues persiguen el mismo fin llegar al máximo número de personas posibles.

Las imágenes fotográficas son capturas para la eternidad de momentos concretos. Al principio estos momentos quedaban recogidos en pinturas, esculturas o en grabados como hemos visto pero eso sí, llevaba bastante más tiempo. En la actualidad, contamos con las fotografías que son las que verdaderamente pueden hacer esto. Son capaces de capturar para siempre una sonrisa, un apretón de manos o un mal gesto a través de la cámara en tiempo real.

Tanto las imágenes clásicas como las actuales, destacan el rostro de la persona y desean que este se vea lo más real posible ( aunque ahora existan los retoques fotográficos) y normalmente posan con la vestimenta que consideran más acorde con el mensaje que desean transmitir.

La imagen más clásica nos deja imágenes de políticos, reyes… mucho más posadas, más solemnes y la fotografía actual aunque puede hacer lo mismo, no suele hacerse, ya que ese distanciamiento ahora no estaría bien visto por la población. De hecho solo suele hacerse cuando se está en un acto institucional importante o se hacen posados con otros líderes políticos, donde aparecen con aspecto formal y serio unos al lado de otros. 


Finalmente, para terminar, he realizado una foto en la que aparezco caracterizada como una representante política en mitad de una rueda de prensa. He querido presentarme como una mujer joven, vestida con ropa que me de un aspecto serio y confiable pero a la vez, mostrando un rostro sonriente que despierte la simpatía de aquellos que me vean para que así, empaticen conmigo y con mi discurso político. Me he colocado ligeramente de perfil, a la izquierda de una pantalla grande en la que se puede ver una gran imagen del logo de mi supuesto partido político. Con ello he querido no centrar toda la atención en mí, sino también en la imagen del partido que estoy representando y sobretodo he intentado mostrar una imagen cercana y muy natural.









domingo, 13 de marzo de 2022

 La fotografía como medio de expresión


La entrada de mi blog hoy, va dedicada a la fotografía como medio de expresión y más en concreto a la fotografía como forma de denuncia social.

Os voy a hablar de cinco fotógrafos destacados en este campo:


Cristina García Rodero

Es una de las fotógrafas españolas más conocidas, creadora de un estilo fotográfico personal y emotivo. En los 70 realizó un hermoso proyecto en el que se dedicó a documentar gráficamente el folclore y los festivales tradicionales de una España en plena transición y que dio como fruto su colección España Oculta, un auténtico retrato social y antropológico de la España de 1974 a 1989. La obra de Cristina García Rodero manifiesta un hondo interés por el comportamiento humano y las contradicciones de la existencia humana por eso,  se dedicó a recorrer parte del mundo acompañada de su cámara tratando de captar nuevas creencias, conflictos sociales y las diferentes manifestaciones de los cambios económicos y políticos.





En el lenguaje visual empleado en la fotografía encontramos tres elementos básicos: el punto, la linea y el plano.

Los personajes principales en estas  fotografías y por tanto el centro y punto de interés son en la primera imagen la figura del sacerdote y la mujer y en la segunda el niño. Las imágenes como la mayoría de las tomadas por esta fotógrafa, están realizadas en blanco y negro. Esto permite transmitir mayor emoción a las fotografías y la ausencia de colores permite centrar toda la atención en las figuras centrales. Otro elemento visual usado en ambas fotografías es la línea vertical que podemos apreciar en laterales muy marcados en paredes, torres de los edificios y en las figuras de las personas, sobre todo el niño en el centro. También hace uso del plano cuadrado como se aprecia en el confesionario del sacerdote o en los marcos de diferentes puertas.
    Son retratos muy expresivos en los que utiliza la cámara como un vehículo de aproximación al mundo.
    Estas imágenes son capaces de narrarnos historias y son auténticos documentos que nos hablan en un primer caso de la religiosidad y en el segundo de la vida rural "el niño de los cencerros".


Dorothea Lange

Fotógrafa estadounidense, fue una de las iniciadoras del documentalismo social. En la crisis de 1929, su compromiso cívico y social la impulsó a salir a las calles de San Francisco para reflejar mediante sus fotografías la insostenible situación de los más desfavorecidos. Dorothea, huyó de los estereotipos de una época oscura que pretendía preservar el sueño americano por encima de cualquier cosa ocultando todo aquello que no interesaba.

    Sus impactantes imágenes sobre las víctimas de la Gran Depresión llamaron la atención del grupo de los fotosecesionistas y de la opinión pública en general, lo que le valió ser llamada por el Gobierno como voz gráfica de la conciencia americana. 

Fotógrafa del inmigrante, del pobre y del desplazado, Dorothea Lange, también documentó los estragos que la gran recesión de los años treinta había causado en la América rural.



Como podemos apreciar en esta fotografía los retratos de Dorothea Lange están cargados de fuerza y de carácter social de denuncia. La imagen central de la mujer con el bebé en sus brazos y el niños nos cuenta una auténtica historia. La tristeza de las miradas perdidas y de preocupación, la pobreza, la situación de necesidad que se aprecia, la calma del bebé que duerme ajeno a todo aquello que ocurre a su alrededor. Resalta esa tienda de tela , en mitad de lo que parece ninguna parte. El hecho de que el fondo esté desenfocado, nos muestra que la fotógrafa quiere impedir cualquier distracción, quiere que nos centremos en la desesperación de una mujer que busca junto con su familia su lugar en el mundo( éxodo rural). Un mundo que parece haberla abandonado por el momento.


Sebastiao Salgado

Fotógrafo brasileño. Durante cuatro décadas ha retratado las mayores atrocidades del ser humano y los más espléndidos parajes del planeta. Comprometido fuertemente en la lucha contra la destrucción del Amazonas, su obra es una ventana abierta a la vida de las tribus olvidadas por muchos.  Es uno de los fotógrafos más comprometidos con los temas sociales, siendo uno de los primeros en documentar el tercer mundo y en poner nombre y caras a ciertos lugares y personas que parecían no existir para la sociedad. 

Debido a la temática principal de su trabajo, ha recibido tanto críticas como elogios. Por un lado, de Salgado se dice que aprovecha la miseria humana con fines comerciales y por otro, ha sido merecedor de decenas de reconocimientos y premios alrededor del mundo.



Sus fotografías sociodocumentales, están realizadas en un blanco y negro purísimo y el propio fotógrafo explica que su obra está realizada en blanco y negro porque no quería que el exceso de color le distrajese de lo verdaderamente importante.

Esta fotografía da muestra de lo asombroso de la naturaleza y de distintas formas de vida de culturas y tradiciones ancestrales.

Podemos apreciar a los hombres de una tribu indígena de la amazonia observando el paisaje que suponemos ,por el fondo, montañoso. Todos colocados en forma lineal diagonal, dan profundidad a la imagen. Con esta fotografía, nos hace un retrato de  la forma de vida de los habitantes que puebla esta zona del planeta.

Kevin Carter

Kevin Carter nació en Sudáfrica en 1960 y formó parte del Bang Bang-Club junto a João Silva, Greg Marinovich y Ken Oosterbroek, un cuarteto de fotoreporteros de conflictos que se jugaban la vida cada día tras una cámara.

En el año 1993 viajó al sur de Sudán con el propósito de fotografiar y denunciar la hambruna y la guerra que sufría el país.  Allí tomó la fotografía por la que se hizo famoso y por la que ganó el premio PulitzerCarter cogió su cámara y buscó lo que todo buen fotógrafo debe buscar: la mejor foto posible, la que más impacto pueda generar, la que mayor conciencia pudiera generar en una sociedad occidental inerte al sufrimiento más allá de sus fronteras.


En la fotografía aparece un niño/a sudanés moribundo, acechado por un buitre. La foto nos muestra la contradicción de requerir necesariamente una falta de compasión para  poder observar y disparar la cámara al realizar la foto , y  el conseguir a la vez que desperte en el espectador la mayor compasión posible al ver el resultado de la imagen.
Esta fotografía tomada en color utiliza el lenguaje visual del punto para crear la imagen. Se centra en dos puntos que aparecen en diagonal. el niño/a, pequeño que aparece en posición agachada  es la imagen de primer plano, la más cercana a la cámara y el buitre que lo observa desde atrás, es el segundo foco de atención de la imagen.  El fondo desdibujado y el color muy plano de la imagen en tonos marrones-tierra, todavía centra más la atención en esos dos puntos principales.
Es claramente una foto denuncia de la situación de muchos niños en el tercer mundo, a los que la muerte les asecha cada día a causa de la falta de recursos y alimentos. Estas imágenes tan dolorosas junto con las de guerra y muerte que vivía Carter cada día como reportero de guerra, lo llevaron a una situación límite y a decidir finalmente acabar con su vida.


Steve MacCurry

Su carrera como fotógrafo comenzó con su cobertura de la guerra soviética. En Afganistán, McCurry se disfrazó con las vestimentas del país para pasar inadvertido al trabajar, y sacó los carretes del país cosiéndolos entre la ropa.

McCurry continuó cubriendo conflictos internacionales, incluyendo la guerra entre Irán e Irak, Beirut, Camboya, Filipinas, la guerra del Golfo y Afghanistán. Sobrevivió a un accidente de avión en Yugoslavia.

McCurry en sus fotografías se concentra en el dolor que causa la Guerra en las personas. Trata de mostrar lo que hace la Guerra pero no solo en el campo de batalla, sino también a las personas que viven en él. 

El fotoperiodista americano, lleva décadas atrapándonos con sus retratos. Busca el alma de las personas reflejada en sus rostros. Las miradas que transmiten emociones y los colores llenos de fuerza son la nota predominante en sus imágenes


He seleccionado esta foto del MacCurry porque creo que es uno de sus retratos más conocidos, ya que fue portada del National Geographic en 1985, y que fue tomada durante la guerra de Afganistán cuando la niña se encontraba en un campo de refugiados.

Como podemos observar es la imagen de una niña en un primer plano. Dos colores predominan, el rojo dela túnica y velo que viste  la niña y el verde del fondo y de los ojos de la niña. Su mirada parece que pudiera leer tu alma, es profunda y llena de timidez a la vez que parece estar asustada.  Aunque simplemente es un retrato, de primer plano, sin nada más que pueda distraer al que mira la imagen, este retrato se ha convertido en un todo símbolo de la crítica situación de los refugiados y víctimas de los conflictos armados. 

Como conclusión, podríamos decir que está muy bien que utilicemos la fotografía para divertirnos, hacernos fotos con amigos, familiares, posar para redes sociales, utilizar filtros. Está muy bien aprender acerca de como usar los recursos de nuestra cámara para mejorar la imagen, hacer un mejor uso de la luz, enfoque... pero a veces nos olvidamos que las fotografías cuentan historias, transmiten ideas, valores, pensamientos... La fotografía es una poderosa arma para transmitir mensajes, ahí es donde realizaría su función la fotografía de denuncia social.

Muchos fotógrafos han querido hacer uso de este poder y poner su cámara al servicio de la sociedad.

miércoles, 23 de febrero de 2022

Fotografía ByN vs Color

 

El retrato realista




Estas fotografías han sido realizadas siguiendo el modelo de la corriente realista del siglo XIX. Aunque la imagen original como podemos apreciar arriba ha sido realizada de forma vertical y a color, posteriormente la he retocado para que se vea en blanco y negro, ya que mi intención era conseguir un retrato al estilo de los que realizaba Nadar. Al igual que para este fotógrafo lo más importante de la imagen es la persona retratada , en este caso un niño, por eso, no encontramos elemento decorativo alguno, ni color que pueda tener un efecto de distracción. El fondo elegido para la fotografía ha sido una pared blanca, ya que lo que me importa es destacar el rostro y la expresión del mismo. Aunque el cuerpo del niño fotografiado está de frente, su cara está ligeramente girada hacia un lado y sus ojos están atentos mirando a algo que parece que le ha llamado la atención. Su gesto se ve tierno y ligeramente triste. La imagen original, fue tomada con la luz artificial que venia desde una lámpara del techo y para evitar una ligera sombra que aparecía sobre la pared rodeando al retratado,  tuve que añadir una luz de foco justo encima de mi cámara, enfocando hacia abajo y de esta forma logré eliminar ese borde sombreado.
Ambas fotografías tienen un aspecto bastante serio pero de entre las dos, la realizada en blanco y negro todavía parece más formal, tal vez porque su aspecto se ve más antiguo. La fotografía a color es un poco más llamativa, sobre todo gracias al tono rojizo de la sudadera que viste el retratado.
Para terminar, comentar que no por ser un retrato ha sido una fotografía más fácil de tomar que otras que he realizado, ya que conseguir que una imagen sin color y sin ningún tipo de adornos transmita, no es tan sencillo como parece.



Fotografía siguiendo el modelo de Ouka Leele


 
 
Para esta ocasión, he realizado una fotografía que posteriormente he retocado usando la imagen de la mujer con los limones en la cabeza realizada por Ouka Leele.
En este caso he cambiado los limones por diferentes elementos frutales que también he colocado sobre la cabeza del niño a modo de sombrero.
La fotografía es un primer plano y el niño mientras le tomaba la fotografía se encontraba tumbado en el suelo. Para el fondo coloqué unos papeles blancos bajo la cabeza del niño y una tela en el lateral, haciendo forma de "L". La fotografía original fue realizada en vertical y con luz artificial procedente de arriba.
Quería crear una imagen divertida y por eso, he hecho uso del programa GIMP para introducir algunos colores que diesen a la imagen un aspecto más moderno y desenfadado.
De entre todos los colores del círculo cromático, me he dado cuenta de que me he inclinado a elegir tonos de la triada de color para la cara del niño: La piel del rostro en amarillo anaranjado, los ojos verdes y un tono morado para los labios y también para el fondo de la imagen. Para que tuviese un poco de uniformidad con los tonos de la cara, para el pelo escogí un tono azulado oscuro, análogo al color de los labios y contratando con el celeste de la pajita y con el azul brillante de la sudadera. Por último, para las naranjas, seleccioné un tono rojo, ya que quería que fuese un elemento que destacase en la foto. He tratado de difuminar bien los colores en los bordes para que pareciese mas real.
Al final, creo que he logrado mi objetivo de conseguir una imagen divertida también con esa explosión de color he logrado darle ese aspecto de cartel de anuncio que tiene la fotografía de Ouka Leele aunque el suyo, tiene un aire más retro.
Como conclusión, diré que ha sido una fotografía bastante complicada de hacer. Lograr que las naranjas se sostuviesen ha sido todo un reto. Tuve que hacer uso del cesto de frutas para conseguirlo. El resultado al final me ha gustado bastante porque pienso que las otras frutas han aportado más colorido a la imagen. Como anécdota diré que en algunos momentos mi casa ha llegado a parecer un estudio fotográfico en el que estaban montando unos decorados para publicidad.














Reflexión final

CULTURA AUDIOVISUAL ¿Qué es para ti la cultura audiovisual? Ahora que para realizar este trabajo he tenido que revisar las respuestas que di...