miércoles, 6 de abril de 2022

La representación del poder


En esta entrada del blog , voy a hablar de la evolución de la imagen con fines de poder político a lo largo de la historia. 

Veremos como los que poseen el poder han tratado de mostrarse ante los ojos de aquellos a los que gobiernan , de sus homólogos en otros países o ante sus rivales políticos haciendo uso de gestos, símbolos y representaciones que son captadas en imágenes cargadas de intencionalidad. Con la ayuda de las imágenes, tratan de crearse una identidad, un sello personal con el que mostrarse al mundo. 


En nuestro recorrido en el tiempo, empezaremos hablando del Antiguo Egipto.


La figura más importante era el rey (faraón). El rey, en cuanto gobernante de Egipto, trascendía de lo humano y adquiría carácter divino en la medida que gobernaba, porque gobernar y dictar leyes era reproducir mágicamente en el mundo el sistema divino de los dioses. El rey, era el que dirigía la historia del país y lo hacía en virtud del derecho divino, es decir, el orden universal y por ello podía gobernar, dictar y emanar derecho y mantener al país en orden frente a las fuerzas disgregadoras del Caos.


Un ejemplo de esta naturaleza poderosa, casi divina, la encontramos en Ramsés II, Durante su reinado, Egipto conoció su último y más brillante esplendor, gracias a una etapa de prosperidad económica, que favoreció el desarrollo de las letras y permitió la realización de importantes obras arquitectónicas.


Ramsés II es uno de los faraones más célebres y recordados del antiguo Egipto. Hay miles de leyendas sobre sus hazañas, y también es uno de los más populares porque hay muchas reliquias y recuerdos de sus 66 años en el poder. Empleó su inmenso poder político, económico y militar para ensalzar su propia divinidad (estatuas, templos, tumbas, capillas, su nueva capital Pi-Ramsés...) y la importancia, en este mismo sentido, de su familia y dinastía. Ramsés mantuvo  una activa propaganda política y religiosa cuyo objetivo final era destacar la divinidad del rey, su gloria y su posesión del poder absoluto.


Un ejemplo de esas muestras de poder, las podemos ver en las escenas grabadas en las paredes de la sala hipóstila del templo de Ramsés II. Entre ellas, las más importantes son las que representan la Batalla de Qadesh, una batalla librada a finales del año 1274 a. C. Fue un combate de infantería y carros en la que se enfrentaron las fuerzas egipcias del faraón Ramsés II y de los hititas de Muwatalli.


En estas imagenes de abajo podemos ver a Ramsés II matando a sus enemigos. Se trata de una de las muchas escenas en las que el faraón es el protagonista, destacado en tamaño, en movilidad o en fuerza.




Ramses II matando a sus enemigos





Continuaremos con la Antigua Grecia. Bajo estas lineas, podemos ver la imagen del busto de Alejandro Magno realizado en mármol en el 300 a. C.  Alejandro fue el rey macedonio más importante de todos lo tiempos y se convirtió rápidamente en legendario dado el vasto imperio que construyo sobre los territorios conquistados. Esta obra imita a otra realizada por Cares de Lindos y que representaba al Dios de sol. 

Como podemos observar en la imagen Alejandro aparece el busto como si fuese una fotografía de primer plano en la que podríamos apreciar los rasgos físicos de este rey que tiene una apariencia joven y fuerte.

El hecho de que existan muchas esculturas y bustos levantados que traten de representarle es muy significativo y quiere decir que fue uno de los reyes mas importantes y poderosos de la Antigua Grecia.





Alejandro Magno



Si hablamos de Roma, veremos que el afán de ser reconocidos y admirados por el pueblo sigue siendo un deseo de los poderosos.

Podemos encontrar un claro ejemplo en esta fotografía que mostramos abajo.  En ella podemos ver la estatua de Octavio Augusto , esta hecha en mármol y mide unos 2 metros de altura, realizada una vez fallecido el emperador en el 14 d. C. Parece ser una copia de un originar de bronce que se realizo en torno al año 19 o 20 a. C. en Roma. Observamos al emperador romano vestido con traje militar de gala, como jefe militar absoluto y con rica coraza, en actitud heroica y decidida, como hablándole al publico o dirigiéndose a sus tropas.

Esto lo intuimos al tener al mano derecha levantada. La expresión de la estatua es muy natural y el parecido con la realidad se hace evidente al representar al detalle las facciones de Augusto ( carácter introvertido, mirada sombría, majestuoso).

Podemos ver al político sereno y seguro , prudente , frío... Es una realidad idealizada también apreciamos que el emperador va descalzo para darle una dimensión temporal de eternidad. Estas mismas características de un emperador poderoso podríamos haberlas apreciado si esto lo hubiésemos trasladado a una fotografía pues como ya hemos comentado la escultura es muy realista y realizada con mucho detalle y su intención última sería mostrara todos el poder y la fuerza y la grandeza del emperador.




Octavio Augusto



Continuando con nuestro recorrido nos adentraremos en la Edad Media.


La Monarquía Absoluta era la forma de gobierno popular en la Europa medieval y hasta finales del siglo XVIII. En ella, la sociedad era gobernada por un rey o una reina todopoderosos. El monarca tenía un control total sobre todos los aspectos de la sociedad, incluyendo: el poder político, la economía y todas las formas de autoridad.    El monarca era capaz de mantener el control absoluto sobre la sociedad con la adición del feudalismo, que implicaba la colocación de personas en diferentes estamentos de poder, como: el clero, la nobleza y los campesinos. 


En la siguiente imagen podemos ver la coronación de Carlomagno. Durante la Edad Media, el acto de coronación era un acto litúrgico que solemnizaba el acceso al trono del nuevo rey, e implicaba la aceptación de la corona y otros símbolos propios de la realeza. Esta pintura fue realizada para inmortalizar el momento en el que Carlomagno tomaba el poder. 



Coronación Carlomagno



Otro ejemplo, lo encontramos bajo estas líneas. Se trata del retrato de Francisco I , rey de Francia. Esta obra  la podríamos encuadrar en una figuración realista y atendiendo a la composición se puede apreciar un equilibrio en los volúmenes y una iluminación levemente lateral. Jean Clouet 1480-1541, de origen flamenco, es el autor de este retrato (1519). Si ponemos nuestra atención en  los gestos, aunque la postura sea regia, su rostro no es severo, más bien se vislumbra cierta amabilidad, al igual que en la postura de sus manos, que reposan sobre un posible bastón la izquierda y la derecha descansa sutilmente sobre un pretil. Se trata de un recurso ilusionista característico del retrato de la época. Llama la atención la magnificencia en el ornato y en definitiva  la señorial imagen en su conjunto del rey que se ve acentuada por la calidad de los ropajes.  La figura del rey está muy detallada y utiliza el claro oscuro. El fondo del retrato es geométrico neutro, no utiliza edificaciones ni objetos que distraigan la atención de lo que pretende, utilizando mezcla de magenta, rojos cadmio “palaciego”, juega con dibujos geométricos cortesanos con lo que consigue integrar la figura y el fondo en su totalidad de esa ya mencionada magnificencia.



Francisco I de Francia



Para terminar con nuestro análisis sobre la evolución de las imágenes del poder, vamos a ver algunos retratos pintados y fotografías  que abarcan desde el siglo XVIII hasta la actualidad.  



Os presentaré primero, un retrato de Napoleón Bonaparte. Puro arte propagandístico, que siempre mejora un poco la realidad. Era cierto que Napoleón Bonaparte cruzó las montañas pero montado sobre una mula y le pidió a Jacques-Louis David que lo representara tranquilo, montado sobre un vigoroso caballo. Napoleón no quiso posar para este retrato  y el pintor tuvo que ingeniárselas con un busto y un uniforme de Napoleón.

Poco a poco fue construyendo la escena como si fuera un personaje legendario, un nuevo Aníbal o Carlomagno, nombres que de hecho aparecen inscritos en las rocas. 

Todo tiene un aspecto dinámico (incluso el clima) y Napoleón nos mira levantando su mano para que le sigamos en sus conquistas. Su cara es serena y seria, demostrando que podía ser un gran gobernante.

El caballo por el contrario no es tan sereno y sus ojos aparecen enrojecidos .  Si trajésemos esta imagen, del siglo XVIII al siglo XXI, probablemente hubiese sido una fotografía mandada editar por Napoleón.


Napoleón Bonaparte



Las dos imágenes siguientes se corresponden, la primera  con un retrato oficial del rey Alfonso XII, donde lo vemos con aspecto solemne, en primer plano posando pero sin mirar directamente a la cámara. Su rostro es serio pero tampoco se muestra excesivamente lejano. Va vestido con uniforme  con galones mostrando sus méritos militares y su poder . Se trata de un retrato bastante clásico , típico de un rey europeo.

La segunda es una fotografía  del siglo XX del político italiano Francesco Cossiga. Francesco, llegó a ser el octavo presidente de la república italiana (1985 a 1992.) Esta imagen suya parece tomada en un momento en el que participaba en algún tipo de charla o intervención en temas políticos. Es una fotografía muy natural, no posada. El fondo aparece borroso, pues quiere destacar la figura del político y desviar la atención de la persona que aparece detrás con los auriculares.




                                          Alfonso XII                         Francesco Cossiga




Por último, y para terminar, llegamos a las imágenes del poder político más reciente. Gracias a la fotografía, podemos observar diferentes actitudes de nuestros políticos mientras son grabados por las cámaras. Imágenes muy naturales, muy cercanas. En el primer ejemplo, vemos al presidente del gobierno actual, dirigiéndose al público y en la otras dos imágenes vemos al señor casado y al presidente de la Junta de Andalucía en una actitud muy distendida. Las tres imágenes aunque poseen buena calidad están siendo tomadas en movimiento . He seleccionado estas tres fotografías pero podría haber elegido otras, por ejemplo un cartel propagandístico para las elecciones, donde apareciese el político, bajo las siglas de su partido, vestido formal pero con una gran sonrisa y con un gran eslogan. Hoy día gracias a la digitalización, cualquier fotografía es susceptible de ser manipulada. Lo importante, en esta política actual, tan propagandística, es que esas fotografías lleguen al mayor número de personas posibles. Aunque a veces todo parezca muy natural, en multitud de ocasiones, las imágenes están calculadas al milímetro: seleccionar la luz más favorecedora, la corbata o vestido con el tono similar al del partido, la mirada más confiable y sincera posible…, también es cada vez más frecuente, ver esos posados familiares donde todos aparecen  dando la imagen de la felicidad más absoluta, y todo , como ya hemos ido diciendo, con ese fin último de mover a las masas hacia donde ellos quieren. Hoy en día la fotografía, las imágenes en general están al servicio del poder político y otro claro ejemplo de esto lo tenemos en las fotografías de la guerra que cada gobierno utiliza a su antojo para manipular a la población y justificar sus actos inhumanos e injustificables. Así,  muestran aquello que quieren que veamos y modifican aquello que no, para posicionar a las personas y enfrentarlas según sus intereses políticos.

 



Reflexión  


Después de haber realizado este recorrido a lo largo del tiempo, vemos cómo las personas poderosas se las han ido ingeniando con los medios que han ido encontrando a su disposición para hacer una propaganda de su poder , de su fuerza y en algunos casos incluso alarde de su superioridad. Querían asegurarse de no ser olvidados. Con estas imágenes han querido ser una ventana abierta, que dejase constancia de personas y acontecimientos del pasado. Han querido ser recordados por sus rostros, sus miradas, sus gestos, ropajes, sus hazañas… Las imágenes clásicas pueden parecer muy diferentes a las actuales pero en realidad son muy similares pues persiguen el mismo fin llegar al máximo número de personas posibles.

Las imágenes fotográficas son capturas para la eternidad de momentos concretos. Al principio estos momentos quedaban recogidos en pinturas, esculturas o en grabados como hemos visto pero eso sí, llevaba bastante más tiempo. En la actualidad, contamos con las fotografías que son las que verdaderamente pueden hacer esto. Son capaces de capturar para siempre una sonrisa, un apretón de manos o un mal gesto a través de la cámara en tiempo real.

Tanto las imágenes clásicas como las actuales, destacan el rostro de la persona y desean que este se vea lo más real posible ( aunque ahora existan los retoques fotográficos) y normalmente posan con la vestimenta que consideran más acorde con el mensaje que desean transmitir.

La imagen más clásica nos deja imágenes de políticos, reyes… mucho más posadas, más solemnes y la fotografía actual aunque puede hacer lo mismo, no suele hacerse, ya que ese distanciamiento ahora no estaría bien visto por la población. De hecho solo suele hacerse cuando se está en un acto institucional importante o se hacen posados con otros líderes políticos, donde aparecen con aspecto formal y serio unos al lado de otros. 


Finalmente, para terminar, he realizado una foto en la que aparezco caracterizada como una representante política en mitad de una rueda de prensa. He querido presentarme como una mujer joven, vestida con ropa que me de un aspecto serio y confiable pero a la vez, mostrando un rostro sonriente que despierte la simpatía de aquellos que me vean para que así, empaticen conmigo y con mi discurso político. Me he colocado ligeramente de perfil, a la izquierda de una pantalla grande en la que se puede ver una gran imagen del logo de mi supuesto partido político. Con ello he querido no centrar toda la atención en mí, sino también en la imagen del partido que estoy representando y sobretodo he intentado mostrar una imagen cercana y muy natural.









domingo, 13 de marzo de 2022

 La fotografía como medio de expresión


La entrada de mi blog hoy, va dedicada a la fotografía como medio de expresión y más en concreto a la fotografía como forma de denuncia social.

Os voy a hablar de cinco fotógrafos destacados en este campo:


Cristina García Rodero

Es una de las fotógrafas españolas más conocidas, creadora de un estilo fotográfico personal y emotivo. En los 70 realizó un hermoso proyecto en el que se dedicó a documentar gráficamente el folclore y los festivales tradicionales de una España en plena transición y que dio como fruto su colección España Oculta, un auténtico retrato social y antropológico de la España de 1974 a 1989. La obra de Cristina García Rodero manifiesta un hondo interés por el comportamiento humano y las contradicciones de la existencia humana por eso,  se dedicó a recorrer parte del mundo acompañada de su cámara tratando de captar nuevas creencias, conflictos sociales y las diferentes manifestaciones de los cambios económicos y políticos.





En el lenguaje visual empleado en la fotografía encontramos tres elementos básicos: el punto, la linea y el plano.

Los personajes principales en estas  fotografías y por tanto el centro y punto de interés son en la primera imagen la figura del sacerdote y la mujer y en la segunda el niño. Las imágenes como la mayoría de las tomadas por esta fotógrafa, están realizadas en blanco y negro. Esto permite transmitir mayor emoción a las fotografías y la ausencia de colores permite centrar toda la atención en las figuras centrales. Otro elemento visual usado en ambas fotografías es la línea vertical que podemos apreciar en laterales muy marcados en paredes, torres de los edificios y en las figuras de las personas, sobre todo el niño en el centro. También hace uso del plano cuadrado como se aprecia en el confesionario del sacerdote o en los marcos de diferentes puertas.
    Son retratos muy expresivos en los que utiliza la cámara como un vehículo de aproximación al mundo.
    Estas imágenes son capaces de narrarnos historias y son auténticos documentos que nos hablan en un primer caso de la religiosidad y en el segundo de la vida rural "el niño de los cencerros".


Dorothea Lange

Fotógrafa estadounidense, fue una de las iniciadoras del documentalismo social. En la crisis de 1929, su compromiso cívico y social la impulsó a salir a las calles de San Francisco para reflejar mediante sus fotografías la insostenible situación de los más desfavorecidos. Dorothea, huyó de los estereotipos de una época oscura que pretendía preservar el sueño americano por encima de cualquier cosa ocultando todo aquello que no interesaba.

    Sus impactantes imágenes sobre las víctimas de la Gran Depresión llamaron la atención del grupo de los fotosecesionistas y de la opinión pública en general, lo que le valió ser llamada por el Gobierno como voz gráfica de la conciencia americana. 

Fotógrafa del inmigrante, del pobre y del desplazado, Dorothea Lange, también documentó los estragos que la gran recesión de los años treinta había causado en la América rural.



Como podemos apreciar en esta fotografía los retratos de Dorothea Lange están cargados de fuerza y de carácter social de denuncia. La imagen central de la mujer con el bebé en sus brazos y el niños nos cuenta una auténtica historia. La tristeza de las miradas perdidas y de preocupación, la pobreza, la situación de necesidad que se aprecia, la calma del bebé que duerme ajeno a todo aquello que ocurre a su alrededor. Resalta esa tienda de tela , en mitad de lo que parece ninguna parte. El hecho de que el fondo esté desenfocado, nos muestra que la fotógrafa quiere impedir cualquier distracción, quiere que nos centremos en la desesperación de una mujer que busca junto con su familia su lugar en el mundo( éxodo rural). Un mundo que parece haberla abandonado por el momento.


Sebastiao Salgado

Fotógrafo brasileño. Durante cuatro décadas ha retratado las mayores atrocidades del ser humano y los más espléndidos parajes del planeta. Comprometido fuertemente en la lucha contra la destrucción del Amazonas, su obra es una ventana abierta a la vida de las tribus olvidadas por muchos.  Es uno de los fotógrafos más comprometidos con los temas sociales, siendo uno de los primeros en documentar el tercer mundo y en poner nombre y caras a ciertos lugares y personas que parecían no existir para la sociedad. 

Debido a la temática principal de su trabajo, ha recibido tanto críticas como elogios. Por un lado, de Salgado se dice que aprovecha la miseria humana con fines comerciales y por otro, ha sido merecedor de decenas de reconocimientos y premios alrededor del mundo.



Sus fotografías sociodocumentales, están realizadas en un blanco y negro purísimo y el propio fotógrafo explica que su obra está realizada en blanco y negro porque no quería que el exceso de color le distrajese de lo verdaderamente importante.

Esta fotografía da muestra de lo asombroso de la naturaleza y de distintas formas de vida de culturas y tradiciones ancestrales.

Podemos apreciar a los hombres de una tribu indígena de la amazonia observando el paisaje que suponemos ,por el fondo, montañoso. Todos colocados en forma lineal diagonal, dan profundidad a la imagen. Con esta fotografía, nos hace un retrato de  la forma de vida de los habitantes que puebla esta zona del planeta.

Kevin Carter

Kevin Carter nació en Sudáfrica en 1960 y formó parte del Bang Bang-Club junto a João Silva, Greg Marinovich y Ken Oosterbroek, un cuarteto de fotoreporteros de conflictos que se jugaban la vida cada día tras una cámara.

En el año 1993 viajó al sur de Sudán con el propósito de fotografiar y denunciar la hambruna y la guerra que sufría el país.  Allí tomó la fotografía por la que se hizo famoso y por la que ganó el premio PulitzerCarter cogió su cámara y buscó lo que todo buen fotógrafo debe buscar: la mejor foto posible, la que más impacto pueda generar, la que mayor conciencia pudiera generar en una sociedad occidental inerte al sufrimiento más allá de sus fronteras.


En la fotografía aparece un niño/a sudanés moribundo, acechado por un buitre. La foto nos muestra la contradicción de requerir necesariamente una falta de compasión para  poder observar y disparar la cámara al realizar la foto , y  el conseguir a la vez que desperte en el espectador la mayor compasión posible al ver el resultado de la imagen.
Esta fotografía tomada en color utiliza el lenguaje visual del punto para crear la imagen. Se centra en dos puntos que aparecen en diagonal. el niño/a, pequeño que aparece en posición agachada  es la imagen de primer plano, la más cercana a la cámara y el buitre que lo observa desde atrás, es el segundo foco de atención de la imagen.  El fondo desdibujado y el color muy plano de la imagen en tonos marrones-tierra, todavía centra más la atención en esos dos puntos principales.
Es claramente una foto denuncia de la situación de muchos niños en el tercer mundo, a los que la muerte les asecha cada día a causa de la falta de recursos y alimentos. Estas imágenes tan dolorosas junto con las de guerra y muerte que vivía Carter cada día como reportero de guerra, lo llevaron a una situación límite y a decidir finalmente acabar con su vida.


Steve MacCurry

Su carrera como fotógrafo comenzó con su cobertura de la guerra soviética. En Afganistán, McCurry se disfrazó con las vestimentas del país para pasar inadvertido al trabajar, y sacó los carretes del país cosiéndolos entre la ropa.

McCurry continuó cubriendo conflictos internacionales, incluyendo la guerra entre Irán e Irak, Beirut, Camboya, Filipinas, la guerra del Golfo y Afghanistán. Sobrevivió a un accidente de avión en Yugoslavia.

McCurry en sus fotografías se concentra en el dolor que causa la Guerra en las personas. Trata de mostrar lo que hace la Guerra pero no solo en el campo de batalla, sino también a las personas que viven en él. 

El fotoperiodista americano, lleva décadas atrapándonos con sus retratos. Busca el alma de las personas reflejada en sus rostros. Las miradas que transmiten emociones y los colores llenos de fuerza son la nota predominante en sus imágenes


He seleccionado esta foto del MacCurry porque creo que es uno de sus retratos más conocidos, ya que fue portada del National Geographic en 1985, y que fue tomada durante la guerra de Afganistán cuando la niña se encontraba en un campo de refugiados.

Como podemos observar es la imagen de una niña en un primer plano. Dos colores predominan, el rojo dela túnica y velo que viste  la niña y el verde del fondo y de los ojos de la niña. Su mirada parece que pudiera leer tu alma, es profunda y llena de timidez a la vez que parece estar asustada.  Aunque simplemente es un retrato, de primer plano, sin nada más que pueda distraer al que mira la imagen, este retrato se ha convertido en un todo símbolo de la crítica situación de los refugiados y víctimas de los conflictos armados. 

Como conclusión, podríamos decir que está muy bien que utilicemos la fotografía para divertirnos, hacernos fotos con amigos, familiares, posar para redes sociales, utilizar filtros. Está muy bien aprender acerca de como usar los recursos de nuestra cámara para mejorar la imagen, hacer un mejor uso de la luz, enfoque... pero a veces nos olvidamos que las fotografías cuentan historias, transmiten ideas, valores, pensamientos... La fotografía es una poderosa arma para transmitir mensajes, ahí es donde realizaría su función la fotografía de denuncia social.

Muchos fotógrafos han querido hacer uso de este poder y poner su cámara al servicio de la sociedad.

miércoles, 23 de febrero de 2022

Fotografía ByN vs Color

 

El retrato realista




Estas fotografías han sido realizadas siguiendo el modelo de la corriente realista del siglo XIX. Aunque la imagen original como podemos apreciar arriba ha sido realizada de forma vertical y a color, posteriormente la he retocado para que se vea en blanco y negro, ya que mi intención era conseguir un retrato al estilo de los que realizaba Nadar. Al igual que para este fotógrafo lo más importante de la imagen es la persona retratada , en este caso un niño, por eso, no encontramos elemento decorativo alguno, ni color que pueda tener un efecto de distracción. El fondo elegido para la fotografía ha sido una pared blanca, ya que lo que me importa es destacar el rostro y la expresión del mismo. Aunque el cuerpo del niño fotografiado está de frente, su cara está ligeramente girada hacia un lado y sus ojos están atentos mirando a algo que parece que le ha llamado la atención. Su gesto se ve tierno y ligeramente triste. La imagen original, fue tomada con la luz artificial que venia desde una lámpara del techo y para evitar una ligera sombra que aparecía sobre la pared rodeando al retratado,  tuve que añadir una luz de foco justo encima de mi cámara, enfocando hacia abajo y de esta forma logré eliminar ese borde sombreado.
Ambas fotografías tienen un aspecto bastante serio pero de entre las dos, la realizada en blanco y negro todavía parece más formal, tal vez porque su aspecto se ve más antiguo. La fotografía a color es un poco más llamativa, sobre todo gracias al tono rojizo de la sudadera que viste el retratado.
Para terminar, comentar que no por ser un retrato ha sido una fotografía más fácil de tomar que otras que he realizado, ya que conseguir que una imagen sin color y sin ningún tipo de adornos transmita, no es tan sencillo como parece.



Fotografía siguiendo el modelo de Ouka Leele


 
 
Para esta ocasión, he realizado una fotografía que posteriormente he retocado usando la imagen de la mujer con los limones en la cabeza realizada por Ouka Leele.
En este caso he cambiado los limones por diferentes elementos frutales que también he colocado sobre la cabeza del niño a modo de sombrero.
La fotografía es un primer plano y el niño mientras le tomaba la fotografía se encontraba tumbado en el suelo. Para el fondo coloqué unos papeles blancos bajo la cabeza del niño y una tela en el lateral, haciendo forma de "L". La fotografía original fue realizada en vertical y con luz artificial procedente de arriba.
Quería crear una imagen divertida y por eso, he hecho uso del programa GIMP para introducir algunos colores que diesen a la imagen un aspecto más moderno y desenfadado.
De entre todos los colores del círculo cromático, me he dado cuenta de que me he inclinado a elegir tonos de la triada de color para la cara del niño: La piel del rostro en amarillo anaranjado, los ojos verdes y un tono morado para los labios y también para el fondo de la imagen. Para que tuviese un poco de uniformidad con los tonos de la cara, para el pelo escogí un tono azulado oscuro, análogo al color de los labios y contratando con el celeste de la pajita y con el azul brillante de la sudadera. Por último, para las naranjas, seleccioné un tono rojo, ya que quería que fuese un elemento que destacase en la foto. He tratado de difuminar bien los colores en los bordes para que pareciese mas real.
Al final, creo que he logrado mi objetivo de conseguir una imagen divertida también con esa explosión de color he logrado darle ese aspecto de cartel de anuncio que tiene la fotografía de Ouka Leele aunque el suyo, tiene un aire más retro.
Como conclusión, diré que ha sido una fotografía bastante complicada de hacer. Lograr que las naranjas se sostuviesen ha sido todo un reto. Tuve que hacer uso del cesto de frutas para conseguirlo. El resultado al final me ha gustado bastante porque pienso que las otras frutas han aportado más colorido a la imagen. Como anécdota diré que en algunos momentos mi casa ha llegado a parecer un estudio fotográfico en el que estaban montando unos decorados para publicidad.














domingo, 30 de enero de 2022

Mujeres en mi familia

En este trabajo, he querido representar a las mujeres de mi familia, utilizando la técnica de superposición de imágenes empleada por Annie Wang, mujer que tomó fotografías del crecimiento de su hijo a lo largo de 17 años.




En esta fotografía aparezco yo como imagen central, sosteniendo en mis manos una fotografía de mi madre que a su vez lleva en sus manos una fotografía de su hermana mayor ( mi tía ) y que también  sostiene  a su vez, la imagen de su madre ( mi abuela). 
Todas las imágenes se tomaron en horizontal y con las mujeres en el centro mirando a la cámara. Estas imágenes fueron posteriormente editadas con photoshop de forma que se superponen unas a otras creando diferentes niveles o dimensiones en la fotografía en lo que nos lleva a una visualización rápida y de un solo vistazo de la evolución de las mujeres de mi familia partiendo de mi abuela hasta llegar a mi.  

La fotografía está sacada en blanco y negro, lo cual aporta simplicidad a la imagen y es mucho más expresiva que si la hubiésemos sacado en color, ya que la ausencia de este, permiten evitar las distracciones que nos suponen los colores y nos  ayuda a centrarnos en lo que verdaderamente queremos mostrar, en este caso la imagen de las mujeres de mi familia. El que esté en blanco y negro también apela a nuestra parte más emotiva, dejando entrever la existencia de un vínculo que nos une y los fuertes contrastes en las tonalidades de las imágenes les aportan más fuerza y un aire más misterioso y envolvente.

En la era digital es posible determinar la edad de una fotografía por los colores, sin embargo en este caso, el blanco y negro le aporta atemporalidad, ya que el tiempo de la imagen será más difícil de determinar al no estar en color y será necesario prestar más atención a otros detalles como: el fondo, la decoración, peinados o las vestimentas. 

Como reflexión final, diría que podemos transmitir muchos mensajes a través de una sola fotografía: felicidad ( a través de las sonrisas) ternura, dulzura (  cada una de nosotras sostenemos la imagen de otra y se adivina la existencia de un fuerte vínculo) y también será en un futuro un recordatorio del paso del tiempo, lo cual, despertará el sentimiento de la nostalgia. Una sola imagen, puede contar una historia y en este caso, esta fotografía, cuenta en cierta forma parte de la historia de la mia.















jueves, 20 de enero de 2022

Secuencia de fotos

Hoy he subido al blog una historia formada por secuencias de fotos inspirándome en el gran fotógrafo Duane Michals. Duane Michals realizó una serie de trabajos con secuencias formada de 5 a 15 fotografias en cada una de ellos,sus secuencias nos llevan a un mundo irreal. Una caracteristica esencial de su obra es la redefinicion del medio fotografico como un medio artístico y no como un simple registro de la realidad, su obra se situaria dentro del arte conceptual. Yo sin embargo me he inspirado en una de sus obras que para mi de forma muy realista expresa la idea del paso del tiempo a través de las flores que poco a poco de marchitan. Yo no he querido representar nada irreal ni que requiera de ninguna interpretacion profunda o filosófica. Simplemente y al igual que Duane, el paso del tiempo. Todo lo que hacemos requiere tiempo y el tiempo pasa.
Mientras que el hombre fotografiado por Duane aparece de perfil en las fotografías, quizas para que se aprecie más que observa reflexivo, yo he preferido que mi personaje principal aparezca de frente para que nos inspire más ternura y nos sintamos más cercanos a él, mientras lo observamos. Mi secuencia está formada por 8 fotografías de pequeñas dimensiones que se presentan en serie de izquierda a derecha en formato similar al de las viñetas. He querido contar una historia real de la vida cotidiana: un niño tomando un yogur para merendar. He tratado de captar los movimientos de forma que parezca que estamos frente a él mientras disfruta de su yogur. Las imágenes muestran un primer plano del niño mientras come y está tomada desde un ángulo frontal. El niño no ha posado en las imágenes sino que han sido captadas de manera instantánea. Se ha utilizado la luz natural del lugar donde han sido tomadas las fotografías aunque hemos necesitado hacer uso del flash de la cámara para que las imágenes no fuesen mas oscuras. He tomado la fotografia con una amplitud de campo reducida ya que lo que me interesaba captar eran las expresiones del niño con su yogur y no el fondo.
La primera fotografía nos muestra cómo el niño espera sentado su merienda y cómo alguien que no nos interesa saber quién es se la pone sobre la mesa. entendemos que es alguien que despierta el afecto del niño, ya que él, le sonríe. Luego se darán una suscesión de imágenes que siguen un orden temporal: el niño abre el yogur, toma una cucharada , se la lleva a la boca y así otra vez, sintiendo mientras lo vemos cómo disfruta y hasta rebaña su yogur. Finalmente se lo acaba y se marcha dejando su asiento vacío. En la última fotografía lo que nos interesa es la silla vacia y el fondo en general para expresar que nuestra historia en imágenes ha terminado. Es una secuencia sencilla de una tarde cualquiera pero que bien podría representar "el placer de disfrutar" de algo sabroso o la necesidad de que los niños tomen una merienda "saludable" o cualquier otra interpretación que la persona que observa quiera darle, ya que las imágenes al no ir compañadas de texto, dejan libre la interpretación al que observa. Las fotografías, realizadas originalmente en color han sido retocadas y modificadas a un tono sepia que me parecía que le daba más calidez a la imagen que el blanco y negro. Para finalizar y a modo de conclusión diria que en este tema he aprendido como podemos expresar sentimientos, emociones, ideas... contados con historias a través de imágenes. También he aprendido como el uso de los planos adecuados y los ángulos correctos pueden ayudarnos a centrar la atención de la persona que ve nuestras imágenes en aquello que nosotros queremos resaltar.

miércoles, 15 de diciembre de 2021

Cianotipia

En clase hemos estado realizando la cianotipia.



¿ Qué es la cianotipia?


La cianotipia es un antiguo y sencillo procedimiento de copiado fotográfico monocromático. Recibe este nombre debido al tono azulado (cian) que adquiere la copia.


¿ Qué materiales he empleado?


Fotocopia de acetato, papel de acuarela, brocha suave, recipiente para mezclar, marco de foto con cristal , pinzas y químico de cianotipo.


¿Cómo he realizado la cianotipia?


El primer paso fue elegir 5 imágenes. Después tuvimos que convertir nuestras imágenes en negativo con el programa GIMP. Una vez que obtuvimos el negativo se pasó a papel de acetato. Posteriormente cortamos el papel de acuarela a la medida de la foto. El siguiente paso fue pintar el papel de acuarela con químicos de cianotipo pero de un tamaño más pequeño que la imagen.  Teníamos que esperar a que se secara el químico y una vez seco, se le ponía la imagen de papel de acetato encima. Más tarde se le colocó encima un cristal al que se le sujetaba la  imagen con pinzas.  Una vez sujeta,  se dejaba al sol entre 1 y 3 minutos. Cuando el color del químico paso a ser de color platino era la señal de que podíamos pasar al siguiente paso que consistía en sacar la imagen del cristal y meterla en agua. Ahí es cuando observamos que la imagen se había vuelto más nítida y clara. Por último, se dejó secar y listo.


El proceso de las imágenes






Mis imágenes 









MI REFLEXIÓN


Yo nunca había pensado que una foto tradicional tuviese detrás tanto trabajo y tiempo. Es un proceso lento que si lo comparamos con la fotografía digital, vemos que esta segunda tiene la ventaja de ser prácticamente inmediata. Las fotografías digitales se trabajan a través de programas informáticos donde pueden ser manipuladas y mejoradas, sin embargo las tradicionales captan momentos reales que no se pueden manipular, es un instante que se captura y que te sorprende, porque no puedes ver la imagen hasta que esta es revelada químicamente. También se puede apreciar que la fotografía digital está en color y la imagen fijada tradicionalmente aparece en tonos blancos y azulados. La fotografía tradicional te traslada al pasado porque tienen un efecto mucho más antiguo ( a pesar de que las imágenes que yo he fijado son actuales). Las tradicionales también son menos nítidas que las digitales, las cuales ganan en calidad de imagen. Para fijar la fotografía tradicional hemos usado papel de acuarela y para la fotografía digital utilizan papel especial de fotografía.


En conclusión, la fotografía tradicional comparada con la digital tiene mas trabajo pero son muy divertidas de hacer.

Ha sido una experiencia muy agradable y muy educativa.





 

 

 


viernes, 3 de diciembre de 2021

Los nuevos medios de comunicación



Las nuevas tecnologías 

Los medios de comunicación han evolucionado a medida que el hombre ha necesitado más medios para trabajar, relacionarse, comunicarse... Desde los primeros teléfonos a los primeros ordenadores, pasando por la televisión y otros medios tecnológicos, el uso de la tecnología ha avanzado a pasos agigantados. Ha permitido acceder a la información más rápido, de forma más productiva y eficiente. Estar conectados se han convertido en algo fundamental en esta sociedad global por lo que a medida que pase el tiempo las nuevas tecnologías irán evolucionando más rápido. 






Reflexión final

CULTURA AUDIOVISUAL ¿Qué es para ti la cultura audiovisual? Ahora que para realizar este trabajo he tenido que revisar las respuestas que di...